Портретная гравюра 17 века

В первой половине 17 века большого развития достигает репродукционная гравюра, представители которой Мишель Дориньи, Франсуа Тортеба, Лоран де Ла Гир, Этьенн Пен в основном специализировались на воспроизведении полотен Симона Вуэ и Никола Пуссена. Наиболее значительными мастерами, работавшими самостоятельно, на основе рисунков с натуры, были Клод Меллан и Робер Нантейль.

Продолжая традиции 16 века, они создают портреты современников, раскрывая их духовный мир в пластически ясных формах оригинальной резцовой гравюры. Портреты Клода Меллана отличают живость и свобода, пластика форм, строгость композиции, которая напоминает композиции французских карандашных портретов 17 века. Художник дает погрудное изображение в центре листа, поле которого покрыто параллельными горизонтальными линиями.

В своих лучших работах «Портрет доктора Пейреска» и «Портрет Пьера Гассенди» Меллан, избегая перекрестной штриховки, работает энергичными параллельными линиями, проведенными то с легким нажимом резца в освещенных местах, то врезанными и расширенными в тенях.

Движение открытых линий, модуляция их нажимов создают впечатление наполненности изображения светом и воздухом, ощущение подвижности форм. На лице Пьера Гассенди, эпикурейца по своим убеждениям, человека, любящего жизнь, читаются нотки горькой иронии и скептического отношения к миру. Строгость композиции, позы, сдержанность графического языка подчеркивают собранность и внутреннее достоинство человека, сильного духом, способного понять и противостоять сложностям окружающего мира.

Портретное искусство Клода Меллана сыграло большую роль в формировании искусства другого мастера этого жанра, Робера Нантейля. Нантейль создал целую галерею портретов могущественных и знатных людей, занимающих видные государственные посты при Людовике XIV. Эти портреты — целая эпоха в истории Франции. В отличие от Клода Меллана, в гравюрах которого формообразующим элементом являлась линия, в портретах Нантейля господствует живописная, светотеневая проработка форм. Фон художник покрывает бархатистой штриховкой; постепенно высветляя черный цвет, он доводит его до серебристо-серого, оставляя блики белой бумаги в высветленных местах.

Тонкая разработка тонов рождает ощущение мягкого перетекания форм, дающих иллюзию неповторимой пластики каждой модели, выявляет фактурные свойства бархата и шелка костюмов, кружев, подчеркивает мягкость тонов кожи, волос.

Образы изысканны и полны величавого достоинства. При дворе Людовика XIV его работы пользовались особой популярностью. Нантейль был придворным художником, он изображал представителей высшего света, чье подлинное лицо скрыто под маской придворной лести и самообладания, поэтому портреты Р.Нантейля всегда идеализированны и несколько однообразны.

В 17 веке в жанре портрета работали также граверы Жерар Эделинк и Антуан Массой.

Во второй половине 17 века в искусстве Франции происходят резкие перемены. Процесс государственной централизации завершен, монархия стремится подчинить своим интересам общественную и культурную жизнь страны. Особое внимание уделяется искусству. По инициативе Ж.-Б.Кольбера создаются различного рода Академии, в том числе Королевская Академия живописи и скульптуры. Здесь во главе с первым художником короля Шарлем Лебреном разрабатываются единые правила и нормы так называемого величественного стиля, в основу которого были положены формы классического искусства Италии и национального гения Никола Пуссена.

Идеи торжествующего абсолютизма, прославление короля-солнца нашли свое яркое выражение в осуществлении грандиозного замысла строительства Версальского дворца, в помпезности и роскоши его убранства. В орбиту официального искусства Академии попадает и гравюра, которая ранее существовала на правах «малого искусства». В 1660 году издается специальный эдикт, по которому в Академию наравне с живописцами и скульпторами начинают принимать и граверов. Все это способствовало выходу гравюры за рамки цеховых ограничений и полуремесленного состояния. Система академического обучения граверов вскоре дала свои плоды. Появились мастера, виртуозно владеющие различными техниками, искусные в построении сложных многофигурных композиций. Творчество этих художников было направлено в русло официальных требований, ограничивающих гравюру рамками декоративной и репродукционной графики, и связывало ее с задачами популяризации художественных идей, продиктованных прежде всего Лебреном, влияние которого сильно проявилось в графическом наследии этого времени.

Широко развернувшееся дворцовое строительство вызвало к жизни небывалый расцвет декоративного искусства и, в частности, орнаментальной гравюры. В этой области работали такие крупные мастера, как Жан Лепотр и Даниэль Маро, которые специализировались на изображении различных плафонов, ваз, алтарей, лепных украшений, ювелирных изделий, часов, люстр и вышивок тканей. Гравированные в технике офорта и изданные в виде альбомов, они служили образцами для украшения дворцов Версаля, Марли, Парижа.

Памятником графического искусства, который воздвиг себе французский абсолютизм 17 века, было собрание гравюр, известных под названием «Cabinet du Roi». Оно было исполнено по заказу короля и издано в виде увражей в дорогих кожаных переплетах с золотым тиснением. Сюда входило изображение королевских дворцов, великолепных парков, придворных празднеств, театральных представлений, планов сражений. Репродукционная гравюра с живописных произведений составляет значительную часть этого собрания.

Само слово «репродукционная гравюра» не совсем точно определяет гравюру этого типа. Мастера 17 века, гравируя произведение, сделанное другим художником, стремились не только точно передать его во всех деталях, но всегда вкладывая в работу элемент творчества. Задача перевода живописного произведения в гравюру, оперирующую лишь черным и белым, требовала от художника напряжения творческой мысли, технической выдумки, тонкого проникновения в художественный строй воспроизводимого произведения и большого количества времени, так как процесс гравировки достаточно трудоемкий.

Среди мастеров репродукционной гравюры особое место принадлежит Жерару Эделинку. Современные ему художники считали за честь, если их произведения брался гравировать этот мастер. Гравюра «Кающаяся Магдалина» с картины Ш.Лебрена — одно из наиболее характерных произведений гравера. Подобный сюжет считался благородным и возвышенным, а его торжественно- патетическая интерпретация соответствовала духу эпохи классицизма. В образе Магдалины подчеркнута прежде всего патетика страдания и раскаяния. Эделинк с большим мастерством исполнил тонкой гравировкой резцом почти скульптурную пластику женской фигуры, театральность ее позы и жеста, переливы атласного платья, блеск парчовых узоров, перламутровую матовость жемчуга, блеск драгоценностей. Тяжелая, плотная живопись Лебрена передана гравером в серебристой гамме, все формы живописной композиции в гравюре приобрели легкую прозрачность и изящество.

Другим одаренным гравером, работавшим в репродукционной гравюре, был Жерар Одран. Он разработал новый способ репродукционной гравюры, сочетая офорт с глубоко бороздящими доску линиями резца — прием, которым будут пользоваться мастера репродукционной графики второй половины 17 и начала 18 столетия.

В серии гравюр «Победы Александра Македонского» художник достигает тонкой разработки черного и белого тонов, добиваясь их нюансировкой большой цветовой выразительности, соперничающей с выразительностью живописных полотен Ш.Лебрена. Техническая виртуозность мастеров репродукционной гравюры в 17 веке достигла высокого мастерства и имела большое значение для развития репродукционной гравюры во Франции в 18 веке.